哈希算法,SHA256,哈希函数,加密哈希,哈希预测/哈希算法是博彩游戏公平性的核心，本文详细解析 SHA256 哈希函数的运作原理，并提供如何通过哈希技术进行博彩预测的方法！当生成式人工智能重构艺术创作逻辑、虚拟现实重塑艺术感知维度，艺术研究正面临深刻的方法论转型。在智能技术不仅作为创作工具更成为艺术本体的背景下，理论与方法已不再是静态的分析框架，而成为动态的认知系统。

　　依托戏剧与影视专业研究生一流课程建设，由张韵老师主讲、我院联合艺术研究院开设的课程《艺术研究理论与方法》，聚焦于多元艺术形态、本体论认知、跨媒介视野与未来向思辨，引领同学们超越传统艺术门类边界，运用媒介考古学、技术现象学、参与式观察等多元方法，深入艺术研究的前沿领域，不仅重新追问“艺术是什么？”，更对艺术研究的范式转型进行一场深度的学术回应。

　　“艺研新语”栏目将连载呈现学院戏剧影视专业硕士核心课程《艺术研究理论与方法》的研创成果，同学们不再局限于传统艺术门类的解读，而是以跨媒介、跨学科视角，将艺术理论、文化研究、媒介传播等方法灵活运用于具体课题，探讨AI绘画的本体性危机、艺术潮玩的情感经济学、梦核美学的潜意识重构、抽象喜剧“梗”文化的传播、艺术装置与建筑的空间实践、电子游戏作为“第九艺术”的可能性……

　　本专栏既是对课程成果的展示，也是一场开放的艺术邀约。我们期待通过年轻学人的敏锐观察与扎实研究，激发更多关于艺术何为、艺术向何处的对话。唯理论为锚，方法为帆，方能在技术浪潮中眺望彼岸。

　　根据泡泡玛特2025年半年报，其营收达138.8亿元，同比增长204.4%；净利润47.1亿元，同比增长362.8%，半年业绩已超越2024年全年。作为全球组织架构调整后的首份财报，公司首次披露四大区域（中国、亚太、美洲和欧洲及其他地区）业绩，均实现超三位数增长，其中美洲增速超十倍。IP矩阵呈现“一超多强”格局，THE MONSTERS系列营收48.1亿元，占比34.7%，持续领先。

　　在这里我们并非单纯解读一个潮玩IP的商业奇迹，而是以Labubu为切口，探讨数字时代大众艺术的审美转向与价值重构。当商业产品承载起情感共鸣与文化表达，当大众从消费者转变为共创者，艺术的边界是否正在被重新定义？这只从绘本走出的小怪兽，又如何突破“玩具”的刻板标签，在艺术形象的精心建构与商业价值的持续爆发之间，走出一条独特的共生之路？

　　回顾过往艺术史：古希腊至18世纪的模仿说坚持艺术源于模仿；19世纪浪漫主义兴起认为艺术源于情感直觉；19世纪末提出艺术的价值在于形式；20世纪60年代强调艺术应通过概念思想来表达创作意图。可见关于艺术本质的说法并非一成不变，是随时代社会的发展、艺术实践的探索而不断总结变化的，不断适应当下的艺术创作趋势，进行更好的理论解释。

　　当代艺术，首先要求艺术应以创作观念为导向。1917年杜尚的《泉》对传统艺术予以质疑和反叛。“美”等特质难以再成为辨别艺术品的必需要素，模糊了艺术与生活的边界，继而引发了关于艺术本质的说法，转而普遍认为艺术关键在于艺术家的观念表达。

　　约瑟夫·科苏斯1969年发表的文章中也指出，“从外表到‘观念’，就是当代艺术的开始，也是观念艺术的开始。杜尚之后的所有艺术形态都是观念的，因为艺术只在观念上存在。”《“无题”（罗斯在洛杉矶的肖像）》，也表达了对爱人的思念、爱的传递和生命流逝，基于这些想法进而进行了创作。因此，判定作品是否属于当代艺术时，需要重点关注作品是否有创作者个人构思和理念的表达，并基于此选择适合的表达形式。

　　艺术作品从想法到实物【艺术传达】，必然需要媒介工具的辅助。现当代，科学技术发展，推动着工具的更迭改变，观念优先的创作导向，推动着工具形式的不断创新。因此现当代艺术，呈现出了媒介多样性和跨媒介性的特点，艺术家们为更好的表达想法观念，在媒介运用方面则相对自由解放，媒介种类日益多样，且出现交叉综合使用的情况。

　　当代艺术作品《艺术家在现场》中行为艺术家阿布拉莫维奇以自己的身体为媒介，通过长时间和与观众的互动，探讨了情感互动、艺术创作和艺术本质边界等问题。

　　白南准的《电视佛陀》结合佛像与电视屏幕、录音带、投影等媒介装置，形成自我与媒介的无限循环，探讨了科技时代人类的自我存在、人性本质等问题。因此现当代艺术创新了对媒介的运用，以更好地完成观念表达，出现了泛艺术化的情况，艺术作品的形态更加多样。

　　然而，“观念说”的说法适用于艺术家艺术创作的过程，即以精神理念为出发点，选择适当的媒介形式进行表达。但在接受端评判其是否为艺术作品，则易出现根据既有形式倒推创作观念，继而标榜为艺术作品，出现艺术没有边界的误区。

　　因而，判定其是否为艺术作品，还应关照艺术为人民的理念，关注受众审美体验、参与程度、对作品观念的接收程度。赵奎英教授的情景生产理论指出，当代艺术其中一个特征，则是从静观到行动的参与性转向，观者或公众作为积极主体的地位，他们与艺术家合作，参与到艺术情境的创造中，共建共生空间、艺术意境。

　　林俊廷的互动影像声音装置艺术作品《响》观众通过喊声或动作触发画面变化，形成独特的参与式审美体验，作者和观者共同完成了作品的意义表达，于数字化的山水时空中，感受作者所营造的“空山不见人，但闻人语响”的意境。

　　每一个让人心动的艺术形象背后，都有一个不为人知的故事。今天，就让我们一起揭开Labubu——这只长着九颗尖牙的小怪兽的创作秘密。

　　他的创作灵感，并非来自市场调研或用户画像，而是源于自己童年的阅读经历与跨文化背景。小时候在荷兰，他沉迷于北欧神话、卡尔特传说，那些精灵、怪物、神秘生物，悄悄在他心里种下了想象的种子。

　　2015年，他在绘本《神秘的布卡》中，第一次让Labubu以“森林精灵”的身份登场。那时的它，已经融合了北欧神话的奇幻色彩与经典绘本的视觉温度，悄然成形。

　　在这个形象里，藏着他对“纯粹感性与童真”的追寻，也藏着他未被社会规训的“内在小孩”——那个时而顽皮、时而脆弱、带点小恶作剧、又渴望被理解的自己。

　　尖耳朵、九颗獠牙，是攻击性，是防御，是小时候被嘲笑时想要露出的“獠牙”。圆滚滚的身体、大眼睛，是柔软，是纯真，是渴望被接纳时选择隐藏锋芒的温柔。

　　Labubu不只是一个小怪兽，它是一个人心理冲突的视觉化——“被压抑的攻击性”与“渴望被接纳”的共生体。

　　龙家昇用创作完成了一次“自我疗愈”，也让Labubu超越了单纯的商业设计，具备了直击人心的艺术感染力。

　　“典型化”是艺术创作的经典手段——从生活中提炼出具有高度代表性的形象。Labubu具备“小怪兽”的经典元素，却又剥离了恐怖感，精准击中了当代年轻人对“无害的反叛”与“个性化的可爱”的情感需求。

　　它像一个全球通用的情感画布，北欧的尖耳、东方的丑萌神韵、非洲图腾般的线条质感，让它不被任何单一文化定义。

　　“陌生化”则是打破常规，制造惊喜。Labubu在全球推出限定款时，并非简单粘贴文化符号，而是“本地叙事”：

　　因为它不只被“创造”，更被“赋予”——设计师给了它形象，而你，给了它灵魂。

　　Labubu 的故事极其简约，像一种留白，强烈“召唤”着你用自己的经历、情绪、想象去填补。当你结束疲惫的一天，看着桌上那个眼神狡黠的小家伙，你是否也在它身上，看到了某个时刻的自己？

　　最好的创作，往往源于最真实的自我表达；最好的共鸣，往往来自最坦诚的情感投射。

　　它不只是一个潮玩，更是一面镜子，照见我们心中那个不愿长大的小孩、那个渴望被看见的自己。

　　你可能听说过它的另一个名字——“盲盒”。这个概念，像一场经过精心包装的“合法赌博”，从日本的福袋、美国的扭蛋演变而来。在我们这儿，最早可以追溯到小时候我们吃干脆面集卡的狂热。如今，这场狂欢进化了。一个成本可能几十块的塑料娃娃，在二手市场能被炒到上万天价。

　　我们不禁要问：它究竟是凭什么？在我们的艺术理论框架下，这个看似简单的商业产品，真的能承载“艺术”的功能吗？

　　从符号学看，它的外形是一个精密的符号系统。它的设计就像一套精心混搭的OOTD（今日穿搭）：尖牙、精灵耳是哥特暗黑风的配饰，代表叛逆而卡姿兰大眼睛和圆脸蛋是甜美学院风的主打，代表治愈。设计师把这两样强行混搭，创造了一个全新物种——怪萌。尖牙、精灵耳这些元素是“怪异”的能指；而圆润的大眼睛、饱满的脸颊则是“可爱”的能指。

　　设计师吴胜天将这两组矛盾的能指大胆拼接，创造出一个全新的符号——怪萌。这个新符号的所指，不再是传统的“纯真无邪”而是Z世代“反叛的温柔”——我们外表或许带刺，但内心依然柔软；我们不屑于千篇一律的甜美，更欣赏独特的灵魂，这恰好击中了年轻人渴望打破传统审美规训。表达真实自我的深层心理，是一种“集体无意识”的视觉化呈现。他们就像每时每刻都在无声地告诉世界：“别惹我，但可以来懂我”。

　　它帮助我们认识自己。其认识功能的实现，关键在于接受美学中的“召唤结构”。Labubu官方故事极其简约，这并非偷懒，而是一种精心的“留白”。这个没有固定剧本的角色，就像一个空白的容器，强烈地“召唤”着我们用自己的故事和情感去把它填满。当你结束一天疲惫的工作，看到桌上这个眼神狡黠的小家伙，你可能会把自己的孤独、压力，或者那份不愿妥协的小倔强投射到它身上。在这个过程中，你完成了一次自我对话和情绪梳理。

　　Labubu的艺术教育功能，恰是通过其“丑萌”的视觉形象与情感内核实现的。它挑战了传统的可爱标准，允许人们投射复杂情绪，成为审美的另类教材。

　　这种独特的“怪美”美学，正是其电影项目最具辨识度的宣传点，官方在未来的海报与预告中，必然极力突出这种叛逆又治愈的反差形象，将其塑造为一个跨越文化的美学符号。这种包容性也激活了公众的创造力，从个人的创意涂鸦到遍布街头的“树洞计划”，都将艺术实践带入日常生活，转化为生动的社区美育课。而电影宣传同样会汲取这些由粉丝共创的鲜活故事，将它们作为连接IP与受众的情感纽带进行传播。同时，围绕它形成的“潮玩经济”本身，也被引入课堂，成为剖析消费文化与培养财经素养的现实案例。可以说，Labubu已超越单纯的玩具角色，成为一个能连接情感表达、激发创造实践并启发经济思考的多维文化媒介。

　　这种娱乐，早已超越了“把玩”的简单快乐，演变为一场复杂的社会性游戏。在今天，我们消费的早已不是物品的使用价值，而是其背后的符号价值。一只Labubu，尤其是隐藏款，它娱乐你的方式，不是它的可动关节，而是它作为一个象征“潮流品味”、“独特身份”乃至“好运”的社交符号所带来的快感。拥有它，就意味着你拥有了可以在圈层内部流通的“社交货币”。在线上晒图收获点赞与羡慕，在线下与同好交流，这种基于共同消费符号产生的身份认同和社群归属，本身就是一种高级的娱乐。

　　为什么这种“符号娱乐”如此盛行？这背后与哲学家鲍曼所揭示的“液态的现代性”息息相关。在这样一个流动、不确定的时代，人们传统的身份锚点（如职业、地域）变得模糊。而像Labubu这样的潮流符号，恰恰提供了一种便捷的、可购买的“身份标签”。我们通过消费和展示这些符号，来急切地回答“我是谁”、“我属于哪个圈子”，并在这个过程中获得安全感与归属感的娱乐。

　　总结一下，Labubu的奇迹并非偶然：在审美上，它通过“怪萌”符号完成了差异化破圈。在认识上，它通过“召唤结构”成为了用户情感的容器。在教育与娱乐上，它既提供情感疗愈，又满足身份建构的深层需求。

　　最终，Labubu的成功告诉我们，最强大的商业产品，往往是那些能够精准嵌入时代文化肌理，成为集体情感与身份象征的超级符号，让它具备艺术性成为艺术品。它不只是一个玩具，更是照进我们这个时代欲望与焦虑的一面镜子。

　　在今年6月10日的北京永乐春季拍卖会上，一只高131厘米的薄荷色Labubu雕塑以108万元成交，同场另一款棕色Labubu以82万元落槌。

　　这个“初代藏品级Labubu艺术专场”的48件拍品全部售出，总成交额高达372.54万元。这个长着九颗尖牙的“小怪兽”，正式撕下玩具标签，闯入了艺术拍卖的殿堂。引发业界对“商业产品如何承载艺术价值”的深度思考。一个源自大众消费市场的IP，何以打破艺术与商业的传统壁垒，实现二者的和谐共生？我们不妨从历史脉络、理论溯源与实践路径三个层面，解锁其价值平衡的核心密码。

　　以美第奇家族赞助米开朗基罗为代表，艺术创作依托赞助人制度，艺术价值与商业价值深度绑定、和谐共生，艺术家的创作自由与赞助人的商业诉求形成良性互动。

　　学院派通过沙龙制度垄断市场，艺术价值与商业价值出现极端背离。梵高生前作品无人问津，却在身后成为艺术瑰宝，与当时备受市场追捧的学院派画家形成鲜明对比，凸显了大众审美与艺术本质的认知鸿沟。

　　学术体制与市场机制共同塑造艺术的双重价值。安迪・沃霍尔堪称跨界融合的典范，他将商业广告、大众消费符号融入艺术创作，打破了“艺术高于商业”的固有认知，模糊了二者的传统边界。

　　21世纪以来，随着NFT艺术等新形态的出现，艺术与商业进入动态重构的新阶段。Beeple的《Everydays: The First 5000 Days》以6934万美元成交，不仅创造了数字艺术的拍卖奇迹，更标志着大众消费语境下的艺术形态被传统艺术市场正式接纳——这与Labubu的跨界突围形成了时代呼应。

　　Labubu是一个诞生于本雅明所说的“机械复制时代”的产物。它不可避免地面临着理论上的价值危机：

　　本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中，他指出机械复制技术摧毁了传统艺术品的“灵晕”——即其独一无二的“此时此地性”和原真性。

　　法兰克福学派的阿多诺对“文化工业”提出严厉批判，认为大规模复制的文化商品标准化、伪个性化，消解了艺术的批判性和独特性。

　　因此，一个核心问题摆在我们面前：一个可以被无限复制的塑料玩具，它的艺术价值何在？如何避免沦为纯粹的商业符号？

　　Labubu及其团队泡泡玛特给出的答案，是通过构建一个宏大而开放的“IP宇宙”，来实现商业价值与艺术价值的平衡与共生。

　　一是通过影视化赋能，2025年规划《LABUBU与朋友们》动画短片，打造“潮玩版《疯狂动物城》”；THE MONSTERS大电影项目也计划于2026年上映，让Labubu的艺术形象在光影中实现情感共鸣的最大化。

　　二是主题乐园打造沉浸体验，泡泡玛特北京朝阳公园城市乐园年客流量突破200万人次，通过Labubu奇遇森林主题区、AR寻宝等科技手段，提供沉浸式体验，将IP形象转化为可触摸、可参与的艺术空间，让观众从“收藏者”转变为“体验者”。

　　三是举办线下展览，全球巡展以“MONSTERS BY MONSTERS: NOW AND THEN”为主题，不仅回顾Labubu十年艺术形象的演进历程，更通过策展逻辑将潮玩作品纳入艺术展示体系，获得艺术界的体制化认可。

　　IP宇宙的核心在于“有温度的叙事”，Labubu通过多维故事延展，让平面的形象成长为立体的文化符号：

　　时间维度：从绘本中最初的“森林精灵”，到后续系列中的“冒险伙伴”“城市居民”，Labubu的起源故事与成长轨迹不断丰富，赋予形象持续的生命力。

　　空间维度：“糖果王国”“幽暗森林”“太空探险”等多元场景设定，让IP宇宙具备无限拓展的可能性，满足观众对未知世界的想象。

　　角色维度：构建“THE MONSTERS 精灵天团”，塑造调皮善良的Labubu、冒险精神的首领Zimomo、腼腆的骷髅精灵Tycoco等层次分明的角色群像，形成复杂的关系网络与故事张力，让艺术形象摆脱“单一符号”的局限。

　　Labubu的IP宇宙并非封闭的商业产物，而是开放的文化共创平台，全球粉丝成为艺术形象的共同建构者。

　　Labubu的相关UGC生态爆发，TikTok上相关视频播放量高达60亿次，粉丝创作涵盖分享类、晒娃类、二创类等多种形式，从插画、手作到短视频，每一次创作都在丰富Labubu的艺术内涵。

　　除此之外，粉丝甚至自发建立了专门的Labubu网站（labubu.directory），形成了一个活跃的共创社群。

　　通过构建IP宇宙，Labubu用“故事延展”“参与共创”以及“跨平台”策略构建了深厚的艺术价值与文化价值和惊人的商业价值。它告诉我们，艺术价值未必与商业价值对立。一个成功的IP，恰恰可以通过构建一个能让大众参与其中、并找到情感共鸣的“宇宙”，将二者融为一体，走出了一条属于这个时代的、独特的价值平衡之路。

　　Labubu的破圈，是艺术与商业的双向奔赴。从创作者的童心投射到大众的情感共创，从潮玩货架到艺术拍卖场，它以“怪萌”符号重构审美、以开放宇宙激活价值，印证了当代艺术的多元可能。然而，在这背后，我们仍需警惕审美疲劳、商业机制侵蚀以及文化表达扁平化等问题。守住文化内核、平衡商业温度，这只“森林精灵”才能在时代浪潮中，始终保有艺术的鲜活与尊严。